Diego Velázquez - Las Meninas

“Las Meninas”

(Título original: La familia de Felipe IV)

Autor: Diego Velázquez

Fecha de creación: 1656

Técnica: Óleo sobre lienzo

Estilo: Barroco

Tamaño: 318 cm × 276 cm

Ubicación: Museo del Prado, Madrid, España

Se trata del cuadro más grande pintado por Velázquez y diversos estudios señalan que el momento fotográfico que capta el cuadro corresponde a un instante de la vida de palacio situado entre el 6 y el 8 de octubre de 1656, y entre las 12:30 y las 14 hs.

La obra representa un momento de la vida en el palacio y aparecen un total de once personajes. En el centro aparece la infanta Margarita (a la edad de cinco años) y a cada lado, hay una doncella o menina (María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco). A la derecha vemos dos enanos, uno de ellos (Nicolasillo Pertusato) jugando con un perro mastín y la otra de nombre Mari Bárbola (que padecía hidrocefalia). También se ve a otros servidores charlando detrás de la infanta (doña Marcela Ulloa y el guardadamas sin identificar) y al fondo en la puerta, José Nieto, aposentador de la reina. Los reyes Felipe IV y Mariana de Austria aparecen reflejados en el espejo y, por supuesto, distinguimos a Velázquez, que  se representa a sí mismo trabajando en un enorme lienzo.

Se comenta que fue Felipe IV el que propuso la creación de esta obra de arte al desafiar al pintor a que demostrase que realmente se trataba de un artista y no un artesano, pintando lo que él mismo estaba viendo.

Curiosidades de la obra:

Velázquez aparece con la Cruz de Santiago en el pecho, diciendo la leyenda que fue el propio Rey el que se la pintó posteriormente a la muerte del artista, ya que en el momento de la ejecución de la obra, Velázquez no era todavía caballero. No olvidemos que Felipe IV era un aficionado a la pintura y le fascinaba participar en el taller del pintor.

Velázquez vivió obsesionado por obtener esta distinción y se le fue otorgada unos meses antes de su muerte pero para obtenerla el Rey tuvo que interceder frente al Papa debido a que solo se le entregaba a los “puros de sangre” (con ascendencia noble y no judíos) y el pintor no cumplía con los requisitos debido a que era nieto de judíos por parte del padre y obviamente no era noble.

La familia real se componía del Rey, la Reina, la infanta Margarita y la infanta María Teresa, sin embargo esta última no aparece en la obra.

Resulta que la Reina Mariana de Austria era sobrina directa del Rey (hija de su hermana) y éste se casó con ella en segundas nupcias, naciendo de esta unión Margarita. La infanta María Teresa era, por lo tanto, hijastra de la Reina y tanto Margarita como María Teresa competían por la sucesión al trono de España. Posteriormente la infanta María Teresa se convertiría en reina de Francia tras casarse con Luis XIV.

¿Qué está pintando Velázquez?.

¿Los reyes están sentados porque Velázquez les está haciendo un retrato y ambos se reflejan en el espejo? Sin embargo, el pintor nunca realizó una obra de ambos reyes retratados.

Otros sostienen que el pintor simplemente expone una escena cotidiana en la corte pero no coincide con la ubicación del lienzo.

¿Qué simbologías tiene Las Meninas?

Algunos aseguran que la obra fue compuesta de tal manera que si se juntan las cabezas de los diferentes personajes aparece la estructura de la constelación Corona Borealis, cuya estrella central se denomina Margarita, igual que la infanta, representando que la continuidad de la monarquía está en la persona de Margarita.

Otra versión dice que realmente Velázquez pretendió hacer una obra sobre la continuidad dinástica. De acuerdo con su punto de vista, las cabezas de los personajes de la izquierda y las manchas de los cuadros forman un círculo, símbolo de la perfección, y en el centro se sitúa el espejo con los rostros de los reyes, equiparando la monarquía a la perfección.

La línea invisible que une las cabezas de las figuras que aparecen en el lienzo conforma el signo astrológico de Capricornio. Esto hizo pensar que el cuadro estaba dedicado a la reina doña Mariana de Austria.

Velázquez, en la composición áurea de su cuadro Las meninas, lo ordena en espiral, cuyo centro está situado sobre el pecho de la infanta Margarita, marcando con ello el centro visual de máximo interés y el significado simbólico del lugar reservado para los escogidos, como era tradición en Europa, que el monarca ocupara el lugar central y de privilegio en las ceremonias.

En otras entradas nos extenderemos sobre composiciones áureas en el arte.

En definitiva, "Las Meninas" es sin lugar a dudas la gran obra maestra de Velázquez y una de las obras perfectas en el arte, cargadas de personajes, infinidad de simbolismos, detalles y con una técnica exquisita cubierta de riquísima experiencia.

Caravaggio - "La muerte de la Virgen"

“La Muerte de la Virgen”

Autor: Caravaggio

Ubicación: Museo del Louvre

Fecha de creación: 1604–1606

Técnica: Pintura al óleo

Tamaño: 369 cm × 245 cm

Período: Barroco

Género: Arte cristiano

La muerte de la Virgen para mi es una de las mejores obras del maestro Caravaggio y un icono dentro de la historia del Arte , que tuve la fortuna de poder verla personalmente.

La obra, también conocida por la Dormición o el Descendimiento, fue la última realizada por Caravaggio antes de tener que huir de Roma acusado de homicidio en 1606.

El cuadro fue encargado por Laerzio Cherubini (abogado del Papa Paulo V) en 1601 para su propia capilla situada en la iglesia romana de Santa María della Scala, de las Carmelitas Descalzas. El tema debía representar un Transitus (un tránsito) de la Virgen; pero fue duramente criticada y rechazada por falta de decoro y tildada de irrespetuosa e incluso herética y el abogado del Papa desestimó de inmediato el encargo. En la Iglesia estaban ofendidos por el tratamiento de la historia sagrada.

Caravaggio representa a la Virgen rodeada de apóstoles con la presencia de María Magdalena y un virtuoso telón de fondo que marca la escena. En esta obra, el pintor sigue manteniendo esa predilección por los tipos populares que tanto le caracterizó. Los apóstoles son hombres vulgares, hasta indigentes y pordioseros, extraídos de un entorno callejero, que exteriorizan su dolor. Están realmente apenados, afectados, a pesar de que alguno se muestra indiferente, en lo que constituye uno los ejemplos más claros de la representación de la emoción humana.

En efecto, el pintor fue bastante crudo en sus planteamientos al presentar la figura de la Virgen demasiado humana, de aspecto pobre, con los pies y el vientre hinchados. Parece realmente muerta. La leyenda cuenta que utilizó como modelo a una prostituta ahogada en el río Tíber, otros aseguran que la modelo no solo era prostituta sino que estaba embarazada e incluso que podía tratarse del retrato de Lena, prostituta y amante del artista. De ahí se desprenden el fuerte rechazo a la obra.

No obstante, Caravaggio no faltó a la normativa religiosa que consideraba a María Inmaculada y por tanto, como Cristo, murió resucitando luego para subir al cielo. Pero, en el lienzo, ni Jesucristo ni ningún coro de ángeles esperan a la Virgen en su asunción. Es más, el cuerpo de María es un cuerpo sin perspectiva de resurrección ni rastro de vida. Esta manera de representación tan realista puede obedecer a las ideas surgidas de la Contrarreforma, tal y como la entendían Felipe Neri, Carlos Borromeo que pretendían que fuese tratada más como una mujer de pueblo. Es decir, la Contarreforma les pide a los artistas de la Iglesia que humanicen a los personajes santos para que los fieles se acerquen nuevamente a sus creencias originales y no se vuelquen a Protestantismo. En el caso de Caravaggio, el realismo de los santos era tal que hasta la misma Iglesia condenó algunas de sus obras.

Las figuras quedan situadas sobre una semioscuridad, donde la luz fuerte recae en la imagen de María, hecho que se ha relacionado con su carácter divino, quizás la señal luminosa del propio tránsito.

A pesar del rechazo por parte de los frailes, tuvo un defensor excepcional en Rubens, quien aconsejó a su protector, el duque de Mantua, Vicenzo Gonzaga, gran coleccionista y mecenas, para que comprara la pintura.

Un asunto no resuelto todavía por la crítica es el lapso que media entre el encargo de la obra, en 1601, y su inicio hacia 1603 ó 1604.

Miguel Ángel - David

"David"

Autor   Miguel Ángel Buonarroti

Creación         1501-1504

Ubicación        Galería de la Academia, Florencia

Material          Mármol blanco proveniente de la ciudad de Carrara

Dimensiones   5,17 m de altura

Peso    5.572 kg

La escultura representa al rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue todo un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici. En otras palabras, el pueblo florentino se sentía “el David” que combatió a Goliat (o los Medici) después de 60 años de Gobierno.

La obra fue encargada por la Opera del Duomo  de la catedral de Santa María del Fiore de Florencia (institución laica encargada de la conservación y el mantenimiento de los bienes pertenecientes a lugares sagrados, como las iglesias). Los responsables de la oficina de trabajos de la catedral de Florencia plantearon la construcción de doce grandes esculturas de personajes del Antiguo Testamento que se colocarían en la Catedral,

Antes del David, sólo dos de estas esculturas habían sido construidas, una de ellas por Donatello y la otra por su discípulo Agostino di Duccio. Este último recibió en 1464 otro encargo, esta vez para crear una escultura de David, pero Agostino ya recibió el mármol dañado por un artista llamado Simone da Fiesole, que lo había estropeado tratando de esculpir a David.

di Duccio trabajó el bloque sin éxito y desistió del encargo, posteriormente se entregó el mármol a Antonio Rossellino que tampoco logró nada y así pasaron varios artistas que se apartaron consiguiendo que la piedra se deteriore aún más.

El bloque fue abandonado por casi 40 años con fracturas, huecos y partes a medio trabajar.

Con el cambio de siglo se ofreció la obra, y tres artistas se presentaron voluntarios: Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci y Miguel Angel Buonarroti. El primero quedó descartado rápido, y la elección quedó entre los dos últimos. Leonardo acababa de esculpir un caballo de terracota inmenso para los Sforza de Milán. Miguel Angel venía de esculpir la soberbia Pietà (La Piedad) en Roma y por estos antecedentes quedó elegido frente a Da Vinci.

El trabajo de preparación de la escultura definitiva incluyó bocetos, dibujos y modelos a pequeña escala de terracota. Miguel Ángel pasó directamente de estos estudios preliminares al trabajo sobre el mármol, sin hacer un modelo de yeso a escala real, como hacían los artistas de la época.

El David fue esculpido mediante cincel desde distintos puntos de vista, puesto que Miguel Ángel lo diseñó para que fuese admirado desde cualquier lugar, de forma contraria a la manera medieval que diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente desde el frente. Su intención fue que también se tuviera la visión de la honda que iba apoyada en la espalda.

Las múltiples fracturas y fallas que tenía el mármol fueron encaminando a Miguel Ángel hacia la forma final de la escultura. El gran hueco que tenía el bloque en su lado izquierdo original hizo que la escultura se apoye completamente en el pie derecho.

Las proporciones del David no corresponden exactamente con las de la figura humana: su cabeza, manos y torso son más grandes de lo estipulado según las proporciones clásicas. Algunos críticos explican que se debería a la ubicación original de la estatua: las proporciones de la escultura deberían aparecer de forma correcta a cierta distancia.

Sus deterioros:

En 1504, mientras se producía el traslado a la Piazza della Signoria, fue apedreado por jóvenes partidarios de los Médici debido a que la obra fue colocada mirando hacia Roma, o sea hacia el lugar donde el papa Alejandro VI había cobijado a los Medici.

En 1512, un rayo cayó sobre la base de la escultura. 

En 1527, durante una revuelta popular contra los Médici, le fue amputado el brazo izquierdo, tras caerle un banco lanzado desde una ventana. El brazo fue repuesto dieciséis años después. 

En 1843, se llevó a cabo una limpieza con ácido clorhídrico en la superficie completa de la escultura, eliminándose la pátina protectora que Miguel Ángel había aplicado al David y dejando el mármol expuesto a las inclemencias meteorológicas. 

Finalmente, en 1873, el David fue trasladado de su lugar en la Piazza della Signoria a la Galería de la Academia, para evitar que sufriera daños. 

En 1910, se colocó una réplica de la escultura a escala real en el lugar que ocupaba previamente en la Piazza della Signoria, que se mantiene en la actualidad.

El último daño ocurrió en 1991, un hombre destruyó un dedo del pie izquierdo del David tras golpearlo con un martillo.

Algunas rarezas:

- El bloque de mármol donde se esculpió la escultura, había sido desechado una docena de veces antes por otros artistas del Renacimiento.

- El David de Miguel Ángel es una escultura huérfana de hermanos a pesar de que, por aquél entonces, se preveía la elaboración de 12 esculturas más que representaban a personajes del Antiguo Testamento, como Josue, Jonás, Moisés y Abraham. Todas ellas serían colocadas en los exteriores de la catedral de Santa María de Fiore.

- Miguel Ángel no quiso vestir con ninguna prenda a su David porque la desnudez simbolizaba al hombre en armonía con la naturaleza y su resistencia nativa frente a los elementos.

- El David ha cambiado desde su elaboración en 1504. Antiguamente, la escultura contenía algunos elementos de oro, sobre todo en su base. Estos elementos simbolizaban la nobleza, el esplendor, la prosperidad, la sabiduría, el poder y la luz en el hombre. Los detalles en oro se excluyeron cuando, al principio, el pueblo italiano rechazaba la estatua.

- Fueron necesarios 40 hombres y 4 días enteros para poder transportar la escultura, a través del Mediterráneo, hasta su lugar de reposo hasta la Piazza de la Signoria.

- Muchos saben que Miguel Ángel era un hombre con mal genio, un tipo maleducado, antipático y no muy a favor de hacer nuevos amigos. Es más, está demostrado que él y Leonardo da Vinci se odiaban, y que solamente mantuvo una exquisita amistad (quién sabe si algo más) con la poeta Vittoria Colonna.

- Muchos no comprendieron cómo el David, siendo de origen judío, no estaba circuncidado y muchos se extrañaron y se quejaron. Los historiadores dicen que él se basó en la naturaleza original del ser y los valores de la belleza más que en la religión

No hace falta decir que la forma del mármol, las fallas, el contexto político y las fracturas que tenía ese bloque, le dejaron ver a Miguel Ángel que allí se encontraba David, que solo debía despejar mármol hasta dar con él.